2007年10月31日
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2007年10月24日
2007年10月23日
2007年10月22日
オーケストラ[バロック音楽]
オーケストラ！＜バロック音楽＞
バロック音楽とは、ヨーロッパにおける17世紀初頭から18世紀中葉までの音楽の総称である。一般に通奏低音の使用と、感情に則した劇的表現が特徴であるとされる。今日のオペラの原型や、声楽から独立した形での器楽はこの時期初めて確立された。
語源
バロック（仏英: baroque）という語はポルトガル語 barocco （いびつな真珠）が由来であるとされ、過剰な装飾を持つ建築を批判するための用語として18世紀に登場した。転じて、17世紀から18世紀までの芸術一般におけるある種の様式を指す語として定着した。音楽に対して baroque の語を使用している用例は18世紀の書簡や批評に既に現れている。ノエル・アントワーヌ・プリュシュ Noel Antoine Pluche は彼の著書 ''Spectacle de la nature''（1746年）の中で、バロック音楽を「歌の音楽」(la musique chantante) の対立概念として提起し、その特徴は「音の大胆さで聞くものを驚かせ、急速さや雑音でもって歌の代用とする」こととしている。18世紀の論客が音楽に対してバロックの語を用いるときにはこのように、奇異であることとか歪みといった意味合いで用いていた（ブフォン論争も参照）。しかし、「バロック音楽」という概\xA1
G0$=$N$b$N$O2;3Z;K$K$O$J$+$J$+DjCe$7$J$+$C$?!#2;3Z;KE*$J4QE@$+$i!Vバロック音楽」に組織的に言及したのはドイツの音楽学者クルト・ザックス（1888年 - 1959年）である。彼の1919年の論文 "Barokmusik" によれば、バロック音楽は「彫刻や絵画等と同じように速度や強弱、音色などに対比があり、劇的な感情の表出を特徴とした音楽」と定義される。しかし、17世紀から18世紀にかけての音楽には地方や時期によって様々なスタイルのものがあるため、バロック音楽の特徴を簡略に総括する事は難しい。たとえば、フランスでは、フランス音楽史にバロック音楽は存在しない、と主張し、この時期の音楽を「古典フランス音楽」(la musique fran?aise classique)と呼ぶ者もいる。ノルベール・デュフォルク N!
orbert Dufourcq は1961年の論文 "Terminologia organ!
istica"
の中で、17世紀前半のフランス芸術は古典主義に席捲されているため、ドイツ音楽史学で広く用いられる「バロック」の語はフランスの音楽や文化に当てはめる事ができない、と述べている。今日では「バロック音楽」の用語は、スタイルへの言及というだけでなく、むしろ音楽史上の年代を指すものとして広く受け入れられている。
年代別概観
以下では年代を追ってバロック音楽の変遷を記述する。それぞれの年代、地域に特徴的な潮流を説明するにあたって、その時代や地域の代表的な音楽家の活動を通して説明を試みている。これらの音楽家はある種の典型例の一つに過ぎず、実際は他の多くの音楽家やパトロン等によって形作られていた音楽環境がそれぞれの地域・時代の音楽の潮流を重層的かつ多様性のあるものとして作り出していた事に注意しなければならない。より詳しくはバロック音楽の作曲家一覧などから個々の作曲家の記事などを参照されたい。
[ 初期バロック（1600年頃〜1650年頃） ]
1600年以前のルネサンス音楽では、多くの音楽作品は対位法にのっとって作曲されており、声部の模倣や不協和音の利用法に多くの制限があった。これに対して、北イタリアのマドリガーレ作曲家たちは、詩の内容や詩に現れる個々の語の感情 ''affetto'' を音楽的に表現する手段を探求していた。また、フィレンツェのカメラータでは、古代ギリシアの音楽悲劇の復興の観点から、感情と結びついた音楽表現を探求した。これらはそれぞれ違う動機を持ってはいたものの、音楽における感情の劇的な表現という観点を共有しており、それぞれルネサンス音楽の作曲法の枠を打ち破ろうとしていた。このような運動を推し進めたマドリガーレ作曲家としてはクラウディオ・モンテヴェルディ（1567年 - 1643年）が有名である。彼はしばしば作中で「予備のない不協和音」を用いたが、この事に対するジョヴァンニ・マリア・アルトゥージの批判に応えて、モンテヴェルディはルネサンスの規範による旧来の作曲法を「第1作法」(prima pratica)、それに対し、彼自身を含め新たな技法によって劇的な音楽の表出を目指す作曲法を「第2作法」(seconda p!
ratica) と呼んで、後者を擁護した。ルネサンス音楽において声楽は3声部以上を持つものが主流であったが、カメラータでは劇中の音楽として、劇の登場人物が1人で歌唱する作品の形式を発案した。これをモノディー形式と呼ぶ。カメラータの音楽劇の最初のまとまった試みは1598年にヤーコポ・ペーリ（1561年 - 1633年）を中心として行われた音楽劇「ダフネ」の上演であり、これを以てオペラの誕生とする意見もある。モノディー形式の例として今日最も有名なのは、ジュリオ・カッチーニ（1545年頃 - 1618年）の ''Le nuove musiche''（「新音楽」、1601年）である。「新音楽」の作品は、歌手の歌うメロディーと伴奏用の低音パートの2声部に加えて、低音パートに数字を添えて記譜されている。数字は低音の上に奏すべき和音を示しており、これはいわゆる通奏低音の原型とも言うべきものである。モノディー歌曲は、ストロペ（同じ旋律の歌詞を変えての繰り返し）を持たない通作形式であり、レチタティーボの先駆でもある。これらの潮流は孤立して存在していたのではなく、互いに影響を及ぼしあい、また宗
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[ 中期バロック（1650年頃〜1700年頃） ]
17世紀前半にイタリアで興った新しい音楽の流れ、特にオペラの発生と通奏低音の使用は、直接にせよ間接にせよ、他のヨーロッパの国々に影響を与えていく事になる。フランスでは、17世紀前半まで宮廷バレエ（ballet de cour）など比較的独自の音楽文化を持っていた。1650年頃に、イタリア出身のジュール・マザラン|マザラン卿がイタリアのオペラを紹介した事などで、イタリア風の音楽が流入した。ルイ14世 (フランス王)|ルイ14世の宮廷では1670年頃まで依然として宮廷バレエが盛んであった。ジャン＝バティスト・リュリ（1632年 - 1687年）はルイ14世の宮廷で多くのバレエ音楽、コメディ＝バレを作った。やがてフランスでイタリア風オペラが流行するが、リュリはイタリア風のレチタティーヴォやアリアはフランス語の音素と相いれないものであるとして、フランス独自のオペラのジャンル、抒情的悲劇（trag?die lyrique）を打ち立てた。この抒情的悲劇は、歌手の歌うレシ（r?cit）と舞曲から構成されていた。レシはレチタティーヴォをフランス語の発音にあうように改変したぁ
b$N$G$"$j!"Iq6J$O5\Dn%P%l%($+$i0z$-7Q$,$l$?$b$N$G$"$k!#%j%e%j$,%k%$14世の宮廷で圧倒的な影響力を誇っていた事もあって、結果的にリュリの作品群によってその後のフランスにおけるバロック音楽の独自の形式が確立される事となった。この時期のフランスではリュリの他にもマルカントワーヌ・シャルパンティエ（1643年 - 1704年）がモテ（motet）や劇音楽、室内楽の分野で活躍した他、マラン・マレー|マラン・マレ（1656年 - 1728年）などのヴィオール奏者や、リュートやチェンバロ|クラヴサン奏者たちが、器楽独奏による組曲の形式で多くの優れた作品を残した。ドイツやオーストリアではより直接的にイタリアの音楽の輸入が行われた。16世紀後半からウィーンや南ドイツの諸都市はイタリアの音楽家を招聘したり、若い音楽家をイタリアに派遣し勉強させたりした。イタリアの音楽の形式が輸入された事で、結果的にいわゆるドイツ風のバロック音楽\xA1
$N7A<0$,:n$i$l$k;v$H$J$k!#$3$N;~4|$K%$%?%j%"$K2;3Z$r3X$S$K9T$C!
$?2;3Z2H
$NCf$G:#F|FC$KM-L>$J$N$O%O%$%s%j%R!&%7%e%C%D!J1585年 - 1672年）である。ヴェネツィアに2度遊学し、ジョヴァンニ・ガブリエリとクラウディオ・モンテヴェルディに師事した。音楽人生のほとんどをドレスデンの宮廷楽長として過ごした彼は、イタリアで作られたオペラやカンタータ、器楽等に用いられる様式を踏襲しつつ、イタリアの最新の流行を追うというよりは、独自の音楽表現を作り出していったようである。彼のドイツ語の聖書物語に基づく作品はルター派の地域に広く受け入れられ、いわゆるドイツ風の音楽のひとつの基盤が作られたといえる。北ドイツやオランダなどではルネサンス後期以来ヤン・ピーテルスゾーン・スウェーリンク（1562年 - 1621年）に代表されるオルガン楽派の伝統があり、これもドイツ風の音楽を考えるときには欠かせない要素である。北方のオルガン楽派の流れを引き継ぐ中期バロックの音楽家としてはディートリヒ・ブクステフーデ（1637年頃 - 1707年）がいた。この時期の北ドイツのオルガン楽派はその高度なテクニック、特に巧みにペダル鍵盤を操ることで知られる。ブクステフーデのオルガン諭
Q$NA0AU6J$d!"%I%$%D8l%+%s%?!<%?$O$3$N;~4|$N%I%$%D$Nバロック音楽の一つの典型的な作品であるといえる。パッセージの作り方でオルガン楽派の方法を引き継いでいる一方で、シャコンヌ|チャコーナ、パッサカリアといった形式をしばしば使用しており、ブクステフーデ自身はイタリアで学んだ事はなかったが、楽曲の形式などではイタリア風の音楽の影響が見られる。イギリスでは、16世紀末頃から17世紀前半まではリュートの伴奏による独唱曲（リュートエア lute ayre）や、ヴィオール族のためのヴァイオル・コンソートの音楽などがジョン・ダウランド（1563年 - 1626年）やウィリアム・ローズ（1602年 - 1645年）らによって作られた。はじめはルネサンス時代のイギリス音楽の特徴を残した独特の音楽を持っていたが、リュートエアに関しては、イタリアのモノディー様式やレチタティチーヴォ、アリアの影響を次第に受けるようになる。バロック中期にイギリスで活躍した作曲家としてはヘンリー・パーセル（1659年 - 1695年）ぁ
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バロック音楽とは、ヨーロッパにおける17世紀初頭から18世紀中葉までの音楽の総称である。一般に通奏低音の使用と、感情に則した劇的表現が特徴であるとされる。今日のオペラの原型や、声楽から独立した形での器楽はこの時期初めて確立された。
語源
バロック（仏英: baroque）という語はポルトガル語 barocco （いびつな真珠）が由来であるとされ、過剰な装飾を持つ建築を批判するための用語として18世紀に登場した。転じて、17世紀から18世紀までの芸術一般におけるある種の様式を指す語として定着した。音楽に対して baroque の語を使用している用例は18世紀の書簡や批評に既に現れている。ノエル・アントワーヌ・プリュシュ Noel Antoine Pluche は彼の著書 ''Spectacle de la nature''（1746年）の中で、バロック音楽を「歌の音楽」(la musique chantante) の対立概念として提起し、その特徴は「音の大胆さで聞くものを驚かせ、急速さや雑音でもって歌の代用とする」こととしている。18世紀の論客が音楽に対してバロックの語を用いるときにはこのように、奇異であることとか歪みといった意味合いで用いていた（ブフォン論争も参照）。しかし、「バロック音楽」という概\xA1
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orbert Dufourcq は1961年の論文 "Terminologia organ!
istica"
の中で、17世紀前半のフランス芸術は古典主義に席捲されているため、ドイツ音楽史学で広く用いられる「バロック」の語はフランスの音楽や文化に当てはめる事ができない、と述べている。今日では「バロック音楽」の用語は、スタイルへの言及というだけでなく、むしろ音楽史上の年代を指すものとして広く受け入れられている。
年代別概観
以下では年代を追ってバロック音楽の変遷を記述する。それぞれの年代、地域に特徴的な潮流を説明するにあたって、その時代や地域の代表的な音楽家の活動を通して説明を試みている。これらの音楽家はある種の典型例の一つに過ぎず、実際は他の多くの音楽家やパトロン等によって形作られていた音楽環境がそれぞれの地域・時代の音楽の潮流を重層的かつ多様性のあるものとして作り出していた事に注意しなければならない。より詳しくはバロック音楽の作曲家一覧などから個々の作曲家の記事などを参照されたい。
[ 初期バロック（1600年頃〜1650年頃） ]
1600年以前のルネサンス音楽では、多くの音楽作品は対位法にのっとって作曲されており、声部の模倣や不協和音の利用法に多くの制限があった。これに対して、北イタリアのマドリガーレ作曲家たちは、詩の内容や詩に現れる個々の語の感情 ''affetto'' を音楽的に表現する手段を探求していた。また、フィレンツェのカメラータでは、古代ギリシアの音楽悲劇の復興の観点から、感情と結びついた音楽表現を探求した。これらはそれぞれ違う動機を持ってはいたものの、音楽における感情の劇的な表現という観点を共有しており、それぞれルネサンス音楽の作曲法の枠を打ち破ろうとしていた。このような運動を推し進めたマドリガーレ作曲家としてはクラウディオ・モンテヴェルディ（1567年 - 1643年）が有名である。彼はしばしば作中で「予備のない不協和音」を用いたが、この事に対するジョヴァンニ・マリア・アルトゥージの批判に応えて、モンテヴェルディはルネサンスの規範による旧来の作曲法を「第1作法」(prima pratica)、それに対し、彼自身を含め新たな技法によって劇的な音楽の表出を目指す作曲法を「第2作法」(seconda p!
ratica) と呼んで、後者を擁護した。ルネサンス音楽において声楽は3声部以上を持つものが主流であったが、カメラータでは劇中の音楽として、劇の登場人物が1人で歌唱する作品の形式を発案した。これをモノディー形式と呼ぶ。カメラータの音楽劇の最初のまとまった試みは1598年にヤーコポ・ペーリ（1561年 - 1633年）を中心として行われた音楽劇「ダフネ」の上演であり、これを以てオペラの誕生とする意見もある。モノディー形式の例として今日最も有名なのは、ジュリオ・カッチーニ（1545年頃 - 1618年）の ''Le nuove musiche''（「新音楽」、1601年）である。「新音楽」の作品は、歌手の歌うメロディーと伴奏用の低音パートの2声部に加えて、低音パートに数字を添えて記譜されている。数字は低音の上に奏すべき和音を示しており、これはいわゆる通奏低音の原型とも言うべきものである。モノディー歌曲は、ストロペ（同じ旋律の歌詞を変えての繰り返し）を持たない通作形式であり、レチタティーボの先駆でもある。これらの潮流は孤立して存在していたのではなく、互いに影響を及ぼしあい、また宗
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[ 中期バロック（1650年頃〜1700年頃） ]
17世紀前半にイタリアで興った新しい音楽の流れ、特にオペラの発生と通奏低音の使用は、直接にせよ間接にせよ、他のヨーロッパの国々に影響を与えていく事になる。フランスでは、17世紀前半まで宮廷バレエ（ballet de cour）など比較的独自の音楽文化を持っていた。1650年頃に、イタリア出身のジュール・マザラン|マザラン卿がイタリアのオペラを紹介した事などで、イタリア風の音楽が流入した。ルイ14世 (フランス王)|ルイ14世の宮廷では1670年頃まで依然として宮廷バレエが盛んであった。ジャン＝バティスト・リュリ（1632年 - 1687年）はルイ14世の宮廷で多くのバレエ音楽、コメディ＝バレを作った。やがてフランスでイタリア風オペラが流行するが、リュリはイタリア風のレチタティーヴォやアリアはフランス語の音素と相いれないものであるとして、フランス独自のオペラのジャンル、抒情的悲劇（trag?die lyrique）を打ち立てた。この抒情的悲劇は、歌手の歌うレシ（r?cit）と舞曲から構成されていた。レシはレチタティーヴォをフランス語の発音にあうように改変したぁ
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オーケストラ[ニューヨーク・フィル%O!<%b%K%C%/]
オーケストラ！＜ニューヨーク・フィルハーモニック＞
ニューヨーク・フィルハーモニック（New York Philharmonic）はアメリカ合衆国|アメリカのニューヨークを本拠に活動しているアメリカでもっとも伝統あるオーケストラである。アメリカビッグ5ニューヨーク・フィルの他にはボストン交響楽団、フィラデルフィア管弦楽団、シカゴ交響楽団、クリーヴランド管弦楽団がビッグ5と呼ばれていた。と言われるオーケストラのひとつ。英語表記のNew York Philharmonicの頭文字をとって''NYP''と表記される事がある。その長い歴史の中で必ずしも常に最高の演奏水準を保ってきたわけではないが、伝統的にとくに管楽器に名手を多く擁し、幅広いレパートリーに対応できる柔軟性を誇っている。ニューヨーク・フィル自身の自主制作CD "The Historical Broadcasts 1923 to 1987" のブックレットには、ニューヨーク・フィルの特徴を「どの指揮者にも合わせることのできる『カメレオンのような』柔軟性」と記されている（p.23）。他のアメリカの主諭
W%*!<%1%9%H%i!J$?$H$($P!"%f!<%8%s!&%*!<%^%s%G%#|オーマンディとフィラデルフィア管弦楽団|フィラデルフィア、ジョージ・セル|セルとクリーヴランド管弦楽団|クリーヴランド、ゲオルク・ショルティ|ショルティとシカゴ交響楽団|シカゴ、セルゲイ・クーセヴィツキー|クーセヴィツキーや小澤征爾とボストン交響楽団|ボストン）に比べると、特定の指揮者との長期間の結び付きは、ニューヨーク・フィルにはない。そのことが逆に、ニューヨークという巨大な無国籍都市のオーケストラにふさわしい現代性と機動性を醸し出しているといえるだろう。
ニューヨーク?フィルの歴史
[草創期のニューヨーク・フィル]
創立はウィーン・フィルハーモニー管弦楽団|ウィーン・フィルと同じ1842年、この年の4月に?ザ・フィルハーモニー・シンフォニー・ソサエティ・オヴ・ニューヨーク?（The Philharmonie Symphony Society of New York）が設立され、同年12月7日にウレリ・コレッリ・ヒルの指揮のもとで初めてのコンサートが開かれた。演目は、カリヴォダの序曲、ベートーヴェンの交響曲第5番など。1877年から1891年までフィルハーモニーは後にシカゴ交響楽団の創設者となるセオドア・トマス|セオドア?トーマスを常任指揮者に迎えた。トーマス在任中の1878年に現在のニューヨーク・フィルの前身のひとつであり、その当時はニューヨーク?フィルの強力な好敵手だったニューヨーク交響楽団がレオポルド・ダムロッシュの手で創設される。その7年後にダムロッシュが逝去すると、後任には彼の息子であるウォルター・ダムロッシュがニューヨーク響の常任におさまることになる。ニューヨーク・フィルのかつてのホームグラウンドだったカーネギー・ホールのオープンは1891年の5 $B7n5日のことである。1893年には、アントニン・ドヴォルザークの交響曲第9番 (ドヴォルザーク)|交響曲第9番「新世界より」の世界初演を行った。ニューヨーク・フィルは1909年にグスタフ・マーラーを常任に迎え 演奏レヴェルの向上につとめ、楽団員をフルタイムの団員とした。第一次世界大戦中の1917年10月にはレコード録音も始まっている。
[第1次大戦後-ニューヨーク・フィルの拡大]
ニューヨーク?フィルは1921年にナショナル交響楽団を、1923年にはニューヨーク?シティ交響楽団を吸収し、両オーケストラの吸収に伴いジョセフ?ストランスキーとヴィレム・メンゲルベルクのふたりが常任の地位を分け合う双頭体制がスタートした。1924年には、教育者としても名高い作曲家のアーネスト・シェリングによって、青少年のためのコンサート (Young People's Concert) が開始されている。1925年からの2年間、ヴィルヘルム・フルトヴェングラーがフィルハーモニ\xA1
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ニューヨーク・フィルハーモニック（New York Philharmonic）はアメリカ合衆国|アメリカのニューヨークを本拠に活動しているアメリカでもっとも伝統あるオーケストラである。アメリカビッグ5ニューヨーク・フィルの他にはボストン交響楽団、フィラデルフィア管弦楽団、シカゴ交響楽団、クリーヴランド管弦楽団がビッグ5と呼ばれていた。と言われるオーケストラのひとつ。英語表記のNew York Philharmonicの頭文字をとって''NYP''と表記される事がある。その長い歴史の中で必ずしも常に最高の演奏水準を保ってきたわけではないが、伝統的にとくに管楽器に名手を多く擁し、幅広いレパートリーに対応できる柔軟性を誇っている。ニューヨーク・フィル自身の自主制作CD "The Historical Broadcasts 1923 to 1987" のブックレットには、ニューヨーク・フィルの特徴を「どの指揮者にも合わせることのできる『カメレオンのような』柔軟性」と記されている（p.23）。他のアメリカの主諭
W%*!<%1%9%H%i!J$?$H$($P!"%f!<%8%s!&%*!<%^%s%G%#|オーマンディとフィラデルフィア管弦楽団|フィラデルフィア、ジョージ・セル|セルとクリーヴランド管弦楽団|クリーヴランド、ゲオルク・ショルティ|ショルティとシカゴ交響楽団|シカゴ、セルゲイ・クーセヴィツキー|クーセヴィツキーや小澤征爾とボストン交響楽団|ボストン）に比べると、特定の指揮者との長期間の結び付きは、ニューヨーク・フィルにはない。そのことが逆に、ニューヨークという巨大な無国籍都市のオーケストラにふさわしい現代性と機動性を醸し出しているといえるだろう。
ニューヨーク?フィルの歴史
[草創期のニューヨーク・フィル]
創立はウィーン・フィルハーモニー管弦楽団|ウィーン・フィルと同じ1842年、この年の4月に?ザ・フィルハーモニー・シンフォニー・ソサエティ・オヴ・ニューヨーク?（The Philharmonie Symphony Society of New York）が設立され、同年12月7日にウレリ・コレッリ・ヒルの指揮のもとで初めてのコンサートが開かれた。演目は、カリヴォダの序曲、ベートーヴェンの交響曲第5番など。1877年から1891年までフィルハーモニーは後にシカゴ交響楽団の創設者となるセオドア・トマス|セオドア?トーマスを常任指揮者に迎えた。トーマス在任中の1878年に現在のニューヨーク・フィルの前身のひとつであり、その当時はニューヨーク?フィルの強力な好敵手だったニューヨーク交響楽団がレオポルド・ダムロッシュの手で創設される。その7年後にダムロッシュが逝去すると、後任には彼の息子であるウォルター・ダムロッシュがニューヨーク響の常任におさまることになる。ニューヨーク・フィルのかつてのホームグラウンドだったカーネギー・ホールのオープンは1891年の5 $B7n5日のことである。1893年には、アントニン・ドヴォルザークの交響曲第9番 (ドヴォルザーク)|交響曲第9番「新世界より」の世界初演を行った。ニューヨーク・フィルは1909年にグスタフ・マーラーを常任に迎え 演奏レヴェルの向上につとめ、楽団員をフルタイムの団員とした。第一次世界大戦中の1917年10月にはレコード録音も始まっている。
[第1次大戦後-ニューヨーク・フィルの拡大]
ニューヨーク?フィルは1921年にナショナル交響楽団を、1923年にはニューヨーク?シティ交響楽団を吸収し、両オーケストラの吸収に伴いジョセフ?ストランスキーとヴィレム・メンゲルベルクのふたりが常任の地位を分け合う双頭体制がスタートした。1924年には、教育者としても名高い作曲家のアーネスト・シェリングによって、青少年のためのコンサート (Young People's Concert) が開始されている。1925年からの2年間、ヴィルヘルム・フルトヴェングラーがフィルハーモニ\xA1
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